23 abr 2012

Música. Vanguardias del siglo XX


DODECAFONISMO
SCHÖNBERG
Arnold Schönberg (1874-1951). Aunque en sus primeras obras se percibe la profunda impresión del pasado traducido en la influencia de Brahms y Wagner, en Viena, junto con sus alumnos, fue produciendo gradualmente una revolución musical de significación tan universal, que ningún compositor actual puede dejar de reconocerla y de toparse con ella tarde o temprano. Schönberg fue uno de los primeros en mostrar el camino hacia la “emancipación” de la disonancia y hacia la liberación de la música del sometimiento aparentemente ineludible a la tonalidad. Estos cambios significaron un desafío a tres siglos de orden establecido, en los cuales la consonancia se distinguía perfectamente de la disonancia, y en los cuales toda pieza musical se organizaba, por lo general, en torno a un tono.
En realidad, no existe base científica alguna para establecer una división absoluta entre consonancia y disonancia. Estas distinciones se basaron, en un principio, en las consideraciones estéticas de cada época o compositor individual. Una “séptima dominante” fue disonante para Palestrina en el siglo XVI, pero no lo fue para Monteverdi a principios del XVII. Al señalar que las notas “disonantes” pueden denominarse con más propiedad “menos consonantes”, Schönberg “emancipó” teóricamente la disonancia, derribando la distinción entre consonancia y disonancia y, en la práctica, empleó cuantas combinaciones de notas le parecieron apropiadas, sin tener en cuentra cuán “disonantes habían sido según pautas anteriores” (ver ej. 149a.). la disonancia ya no tenía por qué resolverse en consonancia. En síntesis, para Schönberg y sus seguidores, la distinción entre consonancia y disonancia dejó de existir.
Al mismo tiempo, a partir de la escala y armonía cromáticas fijadas por el uso de Wagner y otros, Schönberg fue creando gradualmente un método de composición con los doce tonos cromáticso de la octava, de tal manera que todos los tonos eran igualmente importantes. Este método, que alcanzó en 1923 su forma acabada, se oponía abiertamente a la tonalidad tradicional, en la cual un tono era el centro de gravedad musical.
Esta “revolución” mereció ser considerada de formas bastantes diversas por parte de los distintos círculos de la comunidad musical. Para la mayor parte del público la música de “disonancia” ilimitada y falta de una tonalidad era a menudo una experiencia incomprensible que destrozaba los oídos. El hecho de que Schönberg y su círculo se vieran obligado a fundar en Viena una “Sociedad para interpretaciones musicales privadas” (1918) con el fin de asegurarse una audición para su nueva música, es algo que habla por sí solo. Para los músicos profesionales, y en especial para los compositores, las nuevas posibilidades creadas por la música de Schönberg y sus colegas significó una revolución de horizontes casi ilimitados. No obstante, el mismo Schönberg se negó a llamarse revolucionario, diciendo que más bien era un “evolucionista”. Según él, no había inventado el método de doce tonos, sino que simplemente había descubierto algo que estaba esperando que alguien lo sacara a la luz. No cabe duda de que su punto de vista era correcto en el sentido de que amplió el uso cromático de Wagner y sus sucesores. Sin embargo, desde los comienzos de su carrera, la música de Schönberg pareció revolucionaria al público por la naturaleza extrema de su melodía, de su disonancia y de sus temas. Y no cabe duda de que, por más que haya visto con claridad y precisión su evolución a partir del pasado, Schönberg fue un experimentador y un innovador auténtico de tales dimensiones, que era inevitable que el “método para componer con doce tonos” fuera considerado como algo nuevo y vanguardista, aun cuando haya surgido como una manifestación posterior de las tendencias naturales del compositor.
Entre los años comprendidos de 1.915 a 1.923, Schoenberg, no compuso ninguna obra, pues estaba inmerso, tras sus primeras experiencias atonales, en inventar un metodo serio y riguroso de composición no tonal, que sería elDodecafonismo, con el nombre de "Método de componer con 12 sonidos solo relacionados entre sí".
La denominación de Dodecafonismo se debe a René Leibowitz, que inició a toda una serie de compositores en el Dodecafonismo o sistema de composición con 12 sonidos que no tienen relación unos con otros.
Conviene distinguir que el Dodecafonismo de Schoenberg es ATONAL, pero el hecho de utilizar una tecnica Dodecafónica no implica necesariamente atonalidad.
El Dodecafonismo solo serializa los 12 sonidos de la escala cromática tradicional, mientras que la serialización puede ser de mas sonidos; por ello Dodecafonismo no debe confundirse con Serialización.
Schoenberg, considera que no existe una noción fundamental de disonancia, sino estados de consonancia mas o menos lejanos. Toma el partido de renunciar a toda jerarquía entre los doce sonidos de la gama cromática, concediendoles a todos una misma dignidad armónica.
LA SERIE
La Serie no fué inventada por Shoenberg, sino por Josef Matthias Hauer. Es un sucesión fundamental de los 12 sonidos, sin repetición ni duplicación de 8ª, dispuestas en un orden que permanecerá inalterado a lo largo de la composición, con ello consigue evitar la primacía de un grado sobre otro, porque todos intervienen igual número de veces y en el mismo orden.
La cantidad de música que puede hacerse es infinita, con 12 sonidos mediante permutaciones matemáticas, pueden hacerse 479.001.600 series distintas.
La serie puede presentarse de 4 formas que admiten el estilo tradicional de variación contrapuntistica.
·         En forma original.
·         En forma Retrógrada.
·         En forma Invertida.
·         En forma Retrograda-invertida.
Además la serie puede presentarse empezando sobre cualquier grado de los 12 sonidos de la escala cromática.
Puede ordenarse a capricho del compositor, repetirse, utilizarse varias veces seguidas e incluso no utilizar mas que unos cuantos.
La serie puede utilizarse linealmente, 2 o 3 sonidos pueden sonar a la vez, en plan armónico, para crear acordes que sean mas o menos disonantes.
Los sonidos de la serie pueden utilizarse en forma sucesiva (como una melodía), o simultanea (como armonía o contrapunto). También puede aparecer con notas de adorno, trinos, trémolos, etc.
Schoenberg, dice que esta excluida la utilización de más de una serie, pues en cada serie siguiente uno o varios sonidos se repetían demasiado pronto y podían ser interpretados como tónica.
LA ESCUELA DE VIENA
Arnold Schoenberg, junto a sus discipulos Alban Berg y Anton Webern, forman "la II Escuela de Viena" o "Escuela de la técnica Dodecafónica".
ALBAN BERG
Fué el discípulo predilecto de Schoenberg, es el más lírico de los tres, quizas por su amistad con Mahler, cuyas obras, sobre todo la 6ª y )ª Sinfonía, ejercen una gran influencia sobre él.
A pesar de ser estrictamente atonal, y en su 2ª etápa estrictamente Dodecafónico, no deja de ser lírico, ni de ordenar las series de forma que tengan reminiscencias tonales, por lo que el gran público lo aprueba mas facilmente que a Schoenberg o a Webern.
En su primer periodo arranca del Post-Wganerianismo bajo la supervisión de su maestro y se caracteriza por la explotación, muy libre, de un atonalismo expresivo.
Su obra maestra es WOZZECK (que se la dedica a Mahler por amistad). Es una ópera en la que un infeliz soldado mata a su amante infiel y se suicida ahorcandose. Es el prototipo del documento social presentado en lenguaje expresionista.
Es una obra Post-Wagneriana escrita en un estilo cromático-disonante, siendo el ejemplo clásico de estilo cromático atonal conbinado con formas clásicas cerradas; (hay forma sonata, Variaciones, Leitmotiv, Canciones populares...).
En su segunda época, sus obras principales son: "La Cantata del Vino", "Concierto para violín y orquesta" y "Lulú".
El "Concierto para Violín y orquesta", subtitulado "A la memoria de un Angel" (hija del 2º matrimonio de Mahler, que murió a los 18 años de edad). En esta obra Berg, si bien ve en el sistema Dodecafónico la única alternativa válida al sistema tonal, no trata de agotar la lógica del sistema y no enajena su libertad expresiva esforzandose en evitar reminiscencias tonales o sucesivas disonancias.
La serie se basa en las cuerdas al aire del violín Sol menor; Re Mayor; La menor; Mi Mayor y las primeras notas del Coral de Bach "Est ist Genug".
Su obra "Lulú" es expresionista, pero mas abstracta y compleja que el Wozzeck, con mayor simbolismo. Su música está organizada de una manera mas estricta en cuanto a su alineamiento Dodecafónico, aunque no carece de algunoas implicaciones tonales.
Trata sobre una mujer que se casa con un medico y un pintor, que mata indirectamente. Mas tarde mata a uno de sus antiguos amantes, por lo que va a la carcel. El hijo de su victima se enamora de ella. La condesa Geschwitz, la saca de la cxarcel, es lesbiana y desde entonces vive bajo el chantaje de ésta, termina como prostituta en Lonfdres donde es asesinada por Jack el Destripador.
El mensaje de la obra nos viene a decir que la mujer atractiva solo tenía 2 papeles en la vida: AMANTE O PROSTITUTA.
El tercer acto queda inconcluso, debido a la muerte de Berg y la terminó Friederick Cehra, pues se disponía de la orquestación de Lulú-Symphonie.
ANTON WEBERN
Es mucho más exigente en cuanto a forma y estilistica, y por tanto más riguroso. Si Berg representa el potencial romantico de las enseñanzas de Schoenberg, Antono Webern representa su potencial clasico: "Atonalismo sin romanticismo". Webern es el punto de partida del Serialismo Integral.
Etapa Atonal.- Todas las obras de esta etápa se caracterizan porque las notas, matices y dinámica estan escritos y expresados con el rigor mas "Puntillista". Todo está muy estudiado, ni sobra ni falta ninguna nota.
Las caracteristicas de su obra son:
- Abandono de la forma clásica.
- Ausencias de simetría, repeticiones y desarrollo temático.
- Brevedad y concisión (Op. 10 nº 4, dura 20 segundos en 6 compases)
- Condensación expresiva.
- La obra se oye como un todo.
- El silencio es parte integrante del discurso musical. Sonido y silencio son valores de igual importancia.
- La Dinámica es de una extrema discreción, hay fortes pero sobre todo pianos y pianissimos.
Etapa Dodecafónica.- En 1.924, comienza una segunda etapa compositiva donde una el método Dodecafónico de Schoenberg. Para Anton Webern el serialismo parece liberarle del trabajoso sistema de composición anterior.
En un principio, desde 1.914 a 1.926 solo compuso canciones, se apoya en 2 elementos controeuropeos: La tradición del Lied y la presencia de lo Popular.
La formación de Webern como musicologo no le sirvió para recontruir formas del pasado, sino para imaginar nuevos criterios formales.
Desde 1.926, hasta su muerte, prescinde de la voz, y se dan sus obras mas rigurosas y perfectas. Las obras de Webern son de proporciones milimétricas, donde todo está exacto en la medida por él deseada. Sus indicaciones no dejan lugar al arbitrio del interprete, son extremadamente precisas. Nunca escribió ópera, porque no concordaba con su tendencia a la notación precisa.
Su sensibilidad para el color y la claridad tímbrica a menudo lo empuja a escoger combinaciones instrumentales insospechadas como ocurre con el Cuarteto Op. 22 para violín, Clarinete, Saxo tenor y piano. Con pocas excepciones sus obras estan escritas en el estilo de cámara.
LAS VANGUARDIAS HISTORICAS
Entendemos por música de vanguardia en el siglo XX, toda aquella música que se ha desligado por completo o casi por completo, de los instrumentos y formas de componer tradicionales. Schoenberg o Stravinski siguen utilizando partitura y notación tradicional, así como los instrumentos, por lo cual no son vanguardistas.
Las vanguardias parecen comenzar con la música electrónica y con la música aleatoria. El Serialismo Integral es una especie de música de vanguardia con algunos elementos tradicionales que se vanguardiza tras la influencia de la experiencia electrónica.
BUSONI
Ferrucio Busoni, predecesor de los futuristas, publica sus proposiciones para una nueva estética musical, tambien llamadas Boceto, de mayor transcendencia que el manifiesto futurista casi contemporaneo, en el que afirma rotundamente la libertad del arte musical, a la vez que observa ya agotadas las posibilidades de las tonalidades mayores y menores tradicionales. Empieza a aparecer el Tercio de Tono.
En su nueva estética, Busoni, aboga porque la música se vea libre de las interpretaciones programáticas y porque los interpretes y los copistas se liberen del respeto supersticioso por la notación; porque la música se vea libre de las convenciones ritmicas y formales; porque los creadores se vean libres de las limitaciones de las técnicas de interpretación, de los instrumentos y de nuestro sistema de escalas. Propone la división de los tonos en 1/3 y 1/6 de tonos.
FUTURISMO
Es el primer movimiento de vanguardia europeo por su contenido ideológico y su rechazo de la cultura establecida. Un grupo de jovenes intelectuales proclama "El Manifiesto Futurista" (1.910), en el Teatro Alfieri de Milán.
La Velocidad es la palabra mágica de la nueva tendencia. En nombre de ella el futurismo nace como estilo anticlasico, que opone a las cualidades de equilibrio y orden el Contraste y la Disonancia, como caracteristicas primordiales. Para los futuristas, la belleza de la Velocidad, un automovil de carreras, un bólido que huye, es mas hermoso que la victoria de Samotracia.
Caracteristico de los movimientos de vanguardia es que el texto, la declaración de principios, antecede a la creación artistica. Así en 1.911, se publica el manifiesto musical y el de los dramaturgos futuristas.
A partir de la I Guerra Mundial, el futurismo entró en crisis, en parte por la muerte de alguno de sus mas importantes artífices, y en parte por la influencia de la ideología fascista que se concreta en exaltar las virtudes del pueblo italiano.
RUSSOLO
Compositor y pintor italiano, publicó el "Manifiesto del Arte de los Ruidos". Este nuevo arte tendría que entonar y regular todos los ruidos posibles, clasificados por él en 6 familias, que serían:
·         Zumbidos.
·         Silbidos.
·         Susurros.
·         Chirridos.
·         Percusiones.
·         Gritos de animales y de hombres.
Con este fín construyó instrumentos mecánicos y electricos especiales que denominó INTONARRUMORI, que son instrumentos que tratan de reproducir todo tipo de ruidos mediante vibraciones producidas por corriente electrica. Fueron perfeccionados por él, pasando a llamarse, RUMORARMONIO.
En su libro "El arte de los ruidos", sostiene que la música debe superar el campo limitado de los sonidos para apropiarse de los inagotables recursos del ruido, afirmando que la música, en su evolución hacia combinaciones sonoras cada vez mas disonantes, tiende a alejarse del sonido puro para acercarse al ruido.
Gracias al movimiento futurista italiano, el ruido fué incorporado por derecho propio a la creación musical, y a la diferencia entre ruido y sonido desapareciendo practicamente. Es el precedente de la música Concreta.
GEORGE ANTHEIL (Ballet mecánico. You tube)

EL DADAISMO
Tristan Tzara, Hans Arp y Hugo Ball, fundaron el dadaismo en Febrero de 1.916, adoptandose el nombre al azar, al abrir un diccionario frances con un cortapapeles. Dadá significa:
- Cola de vaca sagrada, en una tribu africana.
- Caballo, en la jerga de los niños franceses.
- Sí, sí en Rumano.
- Una especie de asociación de ideas entre el placer de la procreación y el cochecito infantil, en Aleman.
Contrario a la propia actividad artística, Dadá no obedece a norma alguna, y mas que un movimiento estético debe ser considerado como premeditadamente Antiestético, respondiendo solo a la subversión irracionalista, al proposito de escandalizar al público burgues con su inconformismo Nihilista.
Dadá no pretende nada, no aspira a ninguna solución, a ninguna respuesta. Dadá, fué una semilla, una idea, un grito de raqbia e ironía en el centro de una guerra insensata que desangraba Europa.

PRE - EXPERIMENTALISTAS
CHARLES IVES
Es considerado como el antecesor de los Experimentalistas americanos. Compositor absolutamente inconformista es totalmente independiente de todas las corrientes contemporaneas. Fué autodidacta y pudo investigar todo lo que quiso, pues era Agente de seguros.
Se puede considerar como razones de sus vanguardias el que cuando era niño, su padre, director de una banda militar, le incitaba a ejercitar el oído al tocar melodías en dos tonalidades diferentes al mismo tiempo, a escribir frases con escalas de tonos enteros, a que observe y copie los extraños efectos producidos por las campanas y los ecos.
Utiliza la Polirritmia y la Politonalidad; escribe para pianos afinados en 1/4 de tono; anticipa las formas abiertas de la música aleatoria; emplea los Clusters; utiliza en muchas piezas la técnica del Collage; ensamblajes e ideas de Pop-art; modifica la disposición espacial de los instrumentos en la sala; mezcla en algunas obras diferentes orquestas situadas en planos distintos para subrayar su efecto estereofónico.
Componía fundamentalmente para que su música fuese ejecutada, no para que fuese escuchada por el público, es una concepción de la música vanguardista. Y aún en el caso de que la música de Ives debe ser escuchada, está pensada para que lo sea activa y de modo participativo. Esto explica en parte el uso de música popular en sus obras como si se esperase que alguien del público salte e improvise silbando un trozo de la obra.
COWELL
Henry Cowell, fué el representante americano más directo de la tradición de Ives. Cultivó de modo experimental cierto Neoclasicismo Nacionalista, utilizando preferentemente el Folklore Irlandes.
A sus 15 años, dió el nombre de Tone-Clusters (racimo de notas), a su recurso predilecto de tocar con el puño, la palma o el envés de la mano varias teclas adyacentes del piano. Nunca afirmó haber inventado este recurso, pero desde que Bartok le pidió permiso para utilizarlo, la gente lo recuerda como "el hombre de los Clusters".
A Cowell, también le gustaba meter la mano en el interior del piano y manejar el teclado para producir sonidos insólitos en las cuerdas.
Realizó importantes y extensas investigaciones creadoras en el terreno del ritmo y tal vez haya sido la primera persona que se propuso el concepto de derivar relaciones ritmico-duracionales a partir de las proporciones de vibraciones de los armónicos (2:1; 3:2; 4:3; etc.)
COnlon Nancarrow



VARESE
Es el mas importante de los compositores americanos de vanguardia en la década de los 20. Tiene grandes influencias de Debussy, Strauss y Stravinsky.
Se ven las caracteristicas de su estilo en los temas donde hay notas repetidas, como toques de llamadas y especie de llamadas de pajaros; en la ritmica, es instintiva, visceral, notada con mucha sutileza; la instrumentación, está plagada de cuchicheos y gritos, con terribles clamores, con reforzamientos caracteristicos de ciertos armónicos, a la manera de Debussy, para cambiar el timbre orquestal; las formas con libertad absoluta de formas y estructuras, ruptura de continuidad melódica e instrumental. Se desprende de toda posibilidad de construcción temática. Los materiales se transforman casi totalmente en no lineales.
El 2 de Diciembre de 1.954, Varese es el primer compositor en usar una cinta magnetofónica como instrumento dentro de una composición en público. La obra era Deserts, su obra más famosa. Para viento y percusión, tiene grabaciones en cintas de ruidos industriales que se interpolan en la partitura.
Varese es el único compositor que ha dado a la músdica concreta, obras maestras. Su Poema Electrónico le fué encargado para ser transmitido por mas de 400 altavoces que llenaban con su sonoridad el interior del Pabellón Philips en la feriwqa mundial de Bruselas de 1.958.
Para Varese, los sonidos en cuanto tales, eran los componentes estructurales esenciales de la música, mas fundamentales que la melodía, la armonía o el ritmo.
SIGLO XX
Caracterizado por sus revoluciones sociales y por el cambio que supuso en lo estético y artístico. El quiebre con la tradición histórica de la música es absoluto y atraviesa diferentes instancias en las que aumenta su repertorio con la sumatoria de elementos paralelos (distintas tonalidades, compases o tipos rítmicos a la vez), las citas textuales (collages), las repeticiones (minimalismo), hasta desechar toda referencia al tonalismo tradicional, con el atonalismo, dodecafonismo, serialismo integral, trabajando con materiales reelaborados (música concreta, objetos sonoros) o provenientes de una nueva síntesis (música electrónica, digital). La música se desestructura al azar (música aleatoria) y la fusión con otras artes (música teatral y gestual). En conclusión, se llevaron a lo sonoro las pruebas y teorías utópicas y revolucionarias que trataron de acomodar la producción estética a en mundo en ebullición. Nunca se había visto semejante eclecticismo, confusión y proliferación de escuelas.
Un Mundo más pequeño
Los medios de transporte y las telecomunicaciones convirtieron al mundo de la música en una aldea global, que conoció inmediatamente lo que pasaba por las mentes creativas del mundo entero. Tal poder dividió al mundo en enemigos cardinales: Norte contra Sur, Occidente contra Oriente; y esto se tradujo en una nueva música, caracterizada por sus renovaciones sonoras y disonancias libres de ataduras y compromisos tonales. Frente a la visión globalizante, los músicos crearon límites que intentaron dividir la materia musical. Cada nación pretendió dejar su impronta particular, a la vez que otros elevaban sus cantos y melodías por un mundo sin fronteras.
Adiós al público
Las innovaciones intentaron atraer a la audiencia hacia la música. El espíritu vanguardista se convirtió en propulsor del público, siempre detrás de las nuevas corrientes y actitudes. Esto generó muchos detractores de la música del siglo XX entre sus contemporáneos que preferieron recuperar los sonidos de épocas anteriores. Surgió el cuestionamiento acerca del espíritu creador y su sumisión o rebeldía ante las demandas del público. El realismo social soviético y su experiencia no resultó un caso alentador y se acercó al control y censura de los gobiernos totalitarios. Aaron Copland dijo: "Escuchar atentamente, escuchar conscientemente, escuchar con toda nuestra inteligencia es lo menos que podemos hacer en apoyo de un arte que es una de las glorias de la humanidad”.
Acción y reacción
Las corrientes artísticas del siglo XX se opusieron y superpusieron, dando lugar a la creatividad que capturó a la sociedad. Pronto se conjugaron la sinestesia sensorial del impresionismo y su opuesto expresionista. Así comenzaron a surgir corrientes neoclasicistas y nuevos lenguajes artificiales (dodecafonismo), la convergencia de las músicas eruditas y populares o su ingreso en los recintos sagrados del arte clásico, el cerebrismo de la escuela serialista y la ingenuidad del conceptualismo minimal. Una línea de este tipo se prolonga desde Mahler a nuestros días a través deSchoenbergWebern yStockhausen, por ejemplo, con células americanas desde Schoenberg a Philip Glass y Steve Reich a través de John Cage.
Fichas | Períodos de la Música > VANGUARDIAS
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·               La influencia étnica
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·               Música e ideología
·               Orientalismo
·               Retorno a lo clásico
·               Siglo XX
Un siglo de contradicciones, mientras Britten escribe óperas tonales, Stockhausen experimenta con música electrónica, Oliver Messiaen busca inspiración en la música oriental, Pierre Henry intenta escribir música concreta, Pierre Boulez habla de serialismo integral y Luigi Nono de ámbitos sonoros. Las experiencias de música aleatoria han marcado el punto tal vez más audaz en esa intensa búsqueda de una forma de expresión musical del siglo pasado.

Música académica contemporánea

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En los contextos de las música clásica europea, la música contemporánea es la que se ha escrito en los últimos cincuenta años, particularmente después de los años sesenta. En un sentido más amplio, música contemporánea sería cualquier música que se escribe en el presente. Es materia de un arduo debate si el término se debería aplicar a música de cualquier estilo, o si se le aplica exclusivamente a loscompositores de música de vanguardia, o música «moderna».
Se ha utilizado el término «contemporáneo» como sinónimo de «moderno», particularmente en medios académicos, mientras que otros son más restrictivos y se lo aplican sólo a los compositores que están vivos y a sus obras. Ya que es una palabra que describe un marco de tiempo más que a un estilo o idea unificadora en particular, no existe un acuerdo universal acerca de cómo hacer estas distinciones.
Existen numerosos festivales dedicados a la música contemporánea, entre ellos el Donaueschingen Festival of Contemporary Music, el Huddersfield Contemporary Music Festival, en España, el Ciclo de Música Contemporánea de Málaga.
Podemos encontrar música contemporánea en las bandas sonoras de películas y música incidental, como El tigre y el dragón de Tan Dun, Las horas de Philip Glass, El Señor de los anillos de Howard Shore y el tema de la campaña publicitaria de De Beers de Karl Jenkins.

Contenido

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·         1 Historia
·         3 Enlaces externos

[editar]Historia

A comienzos del siglo XX la música contemporánea ejercía el serialismo dodecafónico, el politonalismo, un mayor número de disonancias sin resolución, la complejidad rítmica y la música del neoclasicismo. La música contemporánea de los años cincuenta en general » es, a menudo, más importante que la música misma. En una era que quizá tenga, por ejemplo, no menos de 40.000 compositores de música orquestal sólo en EE. UU, los estrenos son difíciles, y las reposiciones de obras aún más. La lección de desconocidos compositores del pasado que se hacen famosos después se aplica doblemente a los compositores contemporáneos, donde posiblemente habrá «primeros» anteriores a la lista oficial de los primeros compositores de un estilo, y sus obras serán posteriormente admiradas como ejemplos de esos estilos.

Neoclasicismo musical del siglo XX

(Redirigido desde Música neoclásica)
El neoclasicismo fue una corriente de la música contemporánea del siglo XX que se manifestó especialmente en el periodo de entreguerras, en las décadas 1920 y 1940. Sus características son un retorno a los grupos instrumentales pequeños (de cámara) en lugar de la gran orquesta; uso de la técnica del concerto grosso; énfasis sobre las cualidadescontrapuntísticas; y la evitación de la expresión "emocional" típica del romanticismo.
Después de la I Guerra Mundial varios compositores (como Ígor Stravinski y Paul Hindemith) realizaron composiciones donde se notaba un retorno a los cánones del clasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y Mozart), aunque con una armonía mucho más disonante y rítmicas irregulares. Ese movimiento tipo de música se denominó "neoclasicismo".

[editar]Historia

Se considera generalmente que el neoclasicismo se inicia con una obra de Stravinski, Pulcinella, un ballet para los Ballets Rusos de Diaghilev en el que también colaboraron Picasso yCocteau y en el que el compositor utilizó música de Pergolesi. Stravinski explorará esta nueva vía en obras sucesivas, como en el Concierto para piano e instrumentos de viento (1924), la Sonata para piano (con referencias a Bach, 1924), la Serenata en la (1925), The Rake´s progress (Mozart), Persephone (Gluck), El beso del hada (Chaikovski), la Sinfonía en do(Haydn), Oedipus Rex (con referencias que van desde Händel a Verdi) y que se cerrará con los Requiem Canticles, obra en que las referencias son al propio dodecafonismo, y que muchos consideran como una obra puramente tal.
Muchos músicos en esos años escribieron obras que podrían considerarse adscritas a esta tendencia. Prokofiev, por ejemplo, en 1918 ya había compuesto una obra que podría considerarse un antecedente claro, la Sinfónica clásica. Ravel firma obras de difícil adscripción estilística, pero que podrían considerarse clásicas como La Alborada del gracioso, La Valse, La Hora española, el conocidísimo Bolero o El niño y los sortilegios.
En Francia, por esos años, el Grupo de los Seis está en plena actividad y tres de sus integrantes, Francis Poulenc, Arthur Honegger y Darius Milhaud puede considerarse que componen obras neoclásicas. También lo hacen Henri Sauguet y Charles Koechlin. En Italia, la corriente es muy importante, y en ella encontramos a Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti o Giorgio Federico Ghedini.
En España, las obra más características de esta tendencia serán de Manuel de Falla: El retablo de maese Pedro y el Concierto para clave y cinco instrumentos. Luego, la generación del 27 le seguirá. Ernesto Halffter con la Sinfonietta (1927), su hermano Rodolfo, con el ballet Don Lindo de Almeria y las Sonatas del Escorial, y Gustavo Pittaluga y Salvador Bacarisse.
Otro de los compositores tradicionalmente considerado neoclásico es Hindemith, que se fija al inicio sobre todo en el barroco. Obras suyas como Marienleben o la serie de losKammermusik irán evolucionando hasta su obra maestra Matías el pintor.

 

 

[editar]Movimientos en la música contemporánea

[editar]Movimiento Moderno

Muchas de las figuras claves del Movimiento Moderno aún existen o han fallecido recientemente, y en la actualidad existe un núcleo de compositores, intérpretes y aficionados extremadamente activos que continúan llevando las ideas y formas del modernismo. Elliott Carter, por ejemplo, está activo aún, al igual que Lukas Foss. Si bien grandes escuelas de composición moderna, como la del serialismo, no son ya el centro de la discusión teórica, el período contemporáneo está iniciando el proceso de ordenación del conjunto de elementos del modernismo en busca de obras suficientemente valiosas para ser incluidas en los repertorios.
El modernismo también se encuentra en la superficie o en obras de un gran número de compositores, ya que la atonalidad ha perdido mucha de su habilidad para aterrorizar a los auditorios, y puesto que hasta la música de películas utiliza secciones de música claramente enraizadas en el lenguaje de la música modernista. La lista de compositores modernistas activos incluye a Thomas Adès, Harrison Birtwistle, Alexander Goehr, Magnus Lindberg, Gunther Schuller y Judith Weir.

[editar]Postmodernismo

El postmodernismo es una influencia fuerte en la música contemporánea. Un crítico señaló que una manera fácil de encontrar es buscar la palabra «nuevo» o los prefijos neo- o pos- en el nombre de algún movimiento. Sin embargo, en una era de los medios, de las presentaciones sistemáticas, y las relaciones de poder siguen siendo la realidad dominante para la mayoría de las personas nacidas en las principales naciones industrializadas, el postmodernismo parece mantenerse como el modo más común de la expresión artística.

[editar]Poliestilismo

Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una característica posmoderna. Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach,Luciano Berio, William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Ezequiel Viñao, Frank Zappa y John Zorn.

[editar]Conceptualismo

Cuando Marcel Duchamp colocó un urinario en un museo de arte, produjo el golpe más visible del arte conceptual. Una obra conceptual es un acto cuya importancia musical se obtiene del marco más que del contenido de la obra. La música conceptual encontró a su mejor representante en John Cage. Un ejemplo puede ser la obra 4’ 33” (John Cage, 1952) que consiste sólo de silencios, la cual presentó el famoso pianista David Tudor que se sentó al piano sin tcarlo realmente en ningún momento durante los 4 minutos y 33 segundos. Otra obra importante de este estilo es 56 Blows (de Alvin Singleton), una obra que tiene la particularidad de haber sido mencionada en un debate en el Senado de EE. UU.

[editar]Minimalismo y posminimalismo

La generación minimalista todavía cumple un papel importante en la nueva composición. Philip Glass ha continuado expandiendo su ciclo sinfónico, mientras que On the Transmigration of Souls de John Adams (una obra coral en conmemoración de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001) ganó un Premio Pulitzer. Steve Reich ha explorado la óperaelectrónica y Terry Riley ha continuado activo escribiendo música instrumental. Pero más allá de mismos minimalistas, los tropos de la armonía triádica no funcional son ahora un lugar común, incluso en compositores que no son reconocidos como minimalistas propiamente dichos.
Muchos compositores están expandiendo los recursos de la música minimalista al incluir ritmos e instrumentos propios del rock y la música étnica (World Music), serialismo, y muchas otras técnicas. Kyle Gann considera los Time Curve Preludes de William Duckworth como la primera pieza «posminimalista», y considera a John Adams como un compositor «posminimalista» y no minimalista. Gann define el «posminimalismo» como la búsqueda de una mayor complejidad armónica y rítmica por compositores tales como Mikel Rouse,Roberto Carnevale y Glenn Branca. El posminimalismo es también un movimiento artístico en pintura y escultura que empezó a finales de los años sesenta.

[editar]Tonalidad posclasicista

Otro aspecto de posmodernidad se puede encontrar en la tonalidad «posclasicista» a la que están dedicados compositores como Michael Daugherty y Tan Dun.

[editar]Eclecticismo

Con un amplio rango de estilos de interpretación, muchos compositores contemporáneos trabajan combinando estilos, una técnica llamada poliestilismo, o combinando incluso múltiples géneros musicales. Un compositor muy influyente de este tipo es Frank Zappa, y en círculos más jazzísticos John Zorn.

[editar]Experimentación

Artículo principal: Música experimental.
Artículo principal: Música alternativa.
Un movimiento importante de la música contemporánea involucra la expansión de los gestos disponibles a los instrumentistas, como por ejemplo en la obra de George Crumb. El Kronos Quartet se encuentra entre los conjuntos más activos que promueven la música contemporánea para cuarteto de cuerdas, y se deleitan con la música que estira las maneras de obtener sonidos de sus instrumentos.

[editar]Música electrónica

Artículo principal: Música académica electrónica.
Surgida en la década del cincuenta, con el uso de osciladores electrónicos. No confundir con la "música pop electrónica" (de los años ochenta, posterior al rock, de guitarras eléctricas, etc.), ni con la creada por un ordenador o secuenciador al necesitarse una velocidad y exactitud imposible para un intérprete humano). La electrónica es ahora parte de la corriente principal de creación musical. La interpretación de obras ahora a menudo utiliza sintetizadores midi para acompañar o reemplazar algunos músicos o instrumentos. Los procesos deloopeo, toma de muestras (sampling) y el empleo (rara vez) de baterías electrónicas también está incluido. Sin embargo, la antigua idea de la música electrónica —como una búsqueda de sonido puro y una interacción con el equipo en sí— continúa encontrando un lugar en la composición, desde piezas comercialmente exitosas hasta obras dirigidas a oyentes selectos.

[editar]Neorromanticismo

El resurgimiento del vocabulario de la nueva tonalidad que floreció en los primeros años del siglo XX continúa en el período contemporáneo, aunque no se le considera chocante o controvertido como tal. Compositores que trabajan en la vena neorromántica son, por ejemplo, George Rochberg y David Del Tredici. En la parte final del siglo XX y comienzos del XXI, encontramos un nuevo resurgimiento del neorromanticismo en Europa.

[editar]Neotonalismo

El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX como reacción ante el atonalismo. Dentro de este género se engloban compositores que utilizan de nuevo la tonalidad después de que ésta fuese marginada en gran medida por las corrientes del género atonal contemporáneo. El neotonalismo es un movimiento muy amplio que unifica y mezcla estilos muy diferentes, entre los cuales se pueden citar como subgéneros de éste, el eclecticismo (o poliestilismo) y el neorromanticismo citados más arriba. Un mismo compositor neotonal puede contar dentro de su producción musical con obras neorrománticas, electrónicas o ecléctricas. En este género también se emplean técnicas modernas como la electroacústica y aparecen influencias ajenas a la música clásica tradicional como pueden serlo el jazz, la música de cine, étnica, e incluso el propio atonalismo del siglo XX, confiriendo no sólo una gran riqueza a este tipo de composición sino una libertad de expresión que quedó truncada con la imposición de lo puramente atonal en la segunda mitad del siglo. Existen muchos compositores, quienes habiendo iniciado sus composiciones en el ámbito atonal, han regresado a esta forma, incluyendo elementos tradicionales que son de una mayor aceptación por el público. Baste como ejemplos de compositores actuales neotonales los citados más arriba: John Corigliano, John Rutter, Arvo Pärt, Henryk Górecki y Astor Piazzolla. Y los españoles Pedro Iturralde, Manuel Alejandre, Juan J. Colomer y Román Alís.

[editar]Libre improvisación

Artículo principal: Libre improvisación.
Libre improvisación o improvisación libre es música improvisada en muchos casos sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. La libre improvisación, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EEUU en la mitad y fines de la década de 1960 en mucho en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.

[editar]Nueva Complejidad

La Nueva Complejidad (en inglés New Complexity) es una corriente dentro del escenario contemporáneo de las vanguardias europeas. Entre otros, Richard Barrett, Brian Ferneyhough yMichael Finnissy están vinculados a este movimiento. Otra corriente es la música espectral, tipificada por las obras de Tristan Murail, Gérard Grisey, Shigeru Kan-no y Claude Vivier.

[editar]Enlaces externos

§  BabelScores.com (Difundiendo y Distribuyendo la Música Contemporánea).
§  CNDM.mcu.es (Centro Nacional de Difusión Musical, de España).
§  Sussurro La música brasileña contemporánea
§  temp’óra Red internacional consagrada a la promoción de la música contemporánea en el mundo. Data bases con más de 10 000 enlaces.


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