DODECAFONISMO
SCHÖNBERG
Arnold Schönberg (1874-1951). Aunque en sus primeras
obras se percibe la profunda impresión del pasado traducido en la influencia de
Brahms y Wagner, en Viena, junto con sus alumnos, fue produciendo gradualmente
una revolución musical de significación tan universal, que ningún compositor
actual puede dejar de reconocerla y de toparse con ella tarde o temprano.
Schönberg fue uno de los primeros en mostrar el camino hacia la “emancipación”
de la disonancia y hacia la liberación de la música del sometimiento
aparentemente ineludible a la tonalidad. Estos cambios significaron un desafío
a tres siglos de orden establecido, en los cuales la consonancia se distinguía
perfectamente de la disonancia, y en los cuales toda pieza musical se
organizaba, por lo general, en torno a un tono.
En realidad, no existe base científica alguna para establecer
una división absoluta entre consonancia y disonancia. Estas distinciones se
basaron, en un principio, en las consideraciones estéticas de cada época o
compositor individual. Una “séptima dominante” fue disonante para Palestrina en
el siglo XVI, pero no lo fue para Monteverdi a principios del XVII. Al señalar
que las notas “disonantes” pueden denominarse con más propiedad “menos
consonantes”, Schönberg “emancipó” teóricamente la disonancia, derribando la distinción
entre consonancia y disonancia y, en la práctica, empleó cuantas combinaciones
de notas le parecieron apropiadas, sin tener en cuentra cuán “disonantes habían
sido según pautas anteriores” (ver ej. 149a.). la disonancia ya no tenía por
qué resolverse en consonancia. En síntesis, para Schönberg y sus seguidores, la
distinción entre consonancia y disonancia dejó de existir.
Al mismo tiempo, a partir de la escala y armonía cromáticas
fijadas por el uso de Wagner y otros, Schönberg fue creando gradualmente un
método de composición con los doce tonos cromáticso de la octava, de tal manera
que todos los tonos eran
igualmente importantes. Este método, que alcanzó en 1923 su forma acabada,
se oponía abiertamente a la tonalidad tradicional, en la cual un tono era el centro de gravedad
musical.
Esta “revolución” mereció ser considerada de formas bastantes
diversas por parte de los distintos círculos de la comunidad musical. Para la
mayor parte del público la música de “disonancia” ilimitada y falta de una tonalidad
era a menudo una experiencia incomprensible que destrozaba los oídos. El hecho
de que Schönberg y su círculo se vieran obligado a fundar en Viena una
“Sociedad para interpretaciones musicales privadas” (1918) con el fin de
asegurarse una audición para su nueva música, es algo que habla por sí solo.
Para los músicos profesionales, y en especial para los compositores, las nuevas
posibilidades creadas por la música de Schönberg y sus colegas significó una
revolución de horizontes casi ilimitados. No obstante, el mismo Schönberg se
negó a llamarse revolucionario, diciendo que más bien era un “evolucionista”.
Según él, no había inventado el método de doce tonos, sino que simplemente
había descubierto algo que estaba esperando que alguien lo sacara a la luz. No
cabe duda de que su punto de vista era correcto en el sentido de que amplió el
uso cromático de Wagner y sus sucesores. Sin embargo, desde los comienzos de su
carrera, la música de Schönberg pareció revolucionaria al público por la
naturaleza extrema de su melodía, de su disonancia y de sus temas. Y no cabe
duda de que, por más que haya visto con claridad y precisión su evolución a
partir del pasado, Schönberg fue un experimentador y un innovador auténtico de
tales dimensiones, que era inevitable que el “método para componer con doce
tonos” fuera considerado como algo nuevo y vanguardista, aun cuando haya
surgido como una manifestación posterior de las tendencias naturales del
compositor.
Entre los años comprendidos de 1.915 a 1.923, Schoenberg, no compuso ninguna
obra, pues estaba inmerso, tras sus primeras experiencias atonales, en inventar
un metodo serio y riguroso de composición no tonal, que sería elDodecafonismo,
con el nombre de "Método
de componer con 12 sonidos solo relacionados entre sí".
La denominación de Dodecafonismo se debe a René Leibowitz, que inició a
toda una serie de compositores en el Dodecafonismo o sistema de composición con
12 sonidos que no tienen relación unos con otros.
Conviene distinguir que el
Dodecafonismo de Schoenberg es ATONAL,
pero el hecho de utilizar una tecnica Dodecafónica no implica necesariamente
atonalidad.
El Dodecafonismo solo serializa los 12 sonidos de la escala
cromática tradicional, mientras que la serialización puede ser de mas sonidos;
por ello Dodecafonismo no
debe confundirse con Serialización.
Schoenberg, considera que no existe una noción fundamental de
disonancia, sino estados de consonancia mas o menos lejanos. Toma el partido de
renunciar a toda jerarquía entre los doce sonidos de la gama cromática, concediendoles
a todos una misma dignidad armónica.
LA SERIE
La Serie no fué inventada por Shoenberg, sino por Josef Matthias Hauer. Es un
sucesión fundamental de los 12 sonidos, sin repetición ni duplicación de 8ª,
dispuestas en un orden que permanecerá inalterado a lo largo de la composición,
con ello consigue evitar la primacía de un grado sobre otro, porque todos
intervienen igual número de veces y en el mismo orden.
La cantidad de música que puede hacerse es infinita, con 12
sonidos mediante permutaciones matemáticas, pueden hacerse 479.001.600 series
distintas.
La serie puede presentarse de 4 formas que admiten el estilo
tradicional de variación contrapuntistica.
·
En forma original.
·
En forma Retrógrada.
·
En forma Invertida.
·
En forma Retrograda-invertida.
Además la serie puede presentarse empezando sobre cualquier
grado de los 12 sonidos de la escala cromática.
Puede ordenarse a capricho del compositor, repetirse, utilizarse
varias veces seguidas e incluso no utilizar mas que unos cuantos.
La serie puede utilizarse linealmente, 2 o 3 sonidos pueden
sonar a la vez, en plan armónico, para crear acordes que sean mas o menos
disonantes.
Los sonidos de la serie pueden utilizarse en forma sucesiva
(como una melodía), o simultanea (como armonía o contrapunto). También puede
aparecer con notas de adorno, trinos, trémolos, etc.
Schoenberg, dice que esta excluida la utilización de más de una
serie, pues en cada serie siguiente uno o varios sonidos se repetían demasiado
pronto y podían ser interpretados como tónica.
LA ESCUELA DE VIENA
Arnold Schoenberg, junto a sus discipulos Alban Berg y Anton
Webern, forman "la II
Escuela de Viena" o "Escuela de la técnica
Dodecafónica".
ALBAN BERG
Fué el discípulo predilecto de Schoenberg, es el más lírico de
los tres, quizas por su amistad con Mahler, cuyas obras, sobre todo la 6ª y )ª
Sinfonía, ejercen una gran influencia sobre él.
A pesar de ser estrictamente atonal, y en su 2ª etápa
estrictamente Dodecafónico, no deja de ser lírico, ni de ordenar las series de
forma que tengan reminiscencias tonales, por lo que el gran público lo aprueba
mas facilmente que a Schoenberg o a Webern.
En su primer periodo arranca del Post-Wganerianismo bajo la
supervisión de su maestro y se caracteriza por la explotación, muy libre, de un
atonalismo expresivo.
Su obra maestra es WOZZECK (que se la dedica a Mahler por
amistad). Es una ópera en la que un infeliz soldado mata a su amante infiel y
se suicida ahorcandose. Es el prototipo del documento social presentado en
lenguaje expresionista.
Es una obra Post-Wagneriana escrita en un estilo
cromático-disonante, siendo el ejemplo clásico de estilo cromático atonal
conbinado con formas clásicas cerradas; (hay forma sonata, Variaciones,
Leitmotiv, Canciones populares...).
En su segunda época, sus obras principales son: "La Cantata del Vino",
"Concierto para violín y orquesta" y "Lulú".
El "Concierto
para Violín y orquesta", subtitulado "A
la memoria de un Angel" (hija
del 2º matrimonio de Mahler, que murió a los 18 años de edad). En esta obra
Berg, si bien ve en el sistema Dodecafónico la única alternativa válida al
sistema tonal, no trata de agotar la lógica del sistema y no enajena su
libertad expresiva esforzandose en evitar reminiscencias tonales o sucesivas
disonancias.
La serie se basa en las cuerdas al aire del violín Sol menor; Re Mayor; La menor; Mi
Mayor y las primeras notas del Coral de Bach "Est ist Genug".
Su obra "Lulú" es expresionista, pero mas abstracta y
compleja que el Wozzeck, con mayor simbolismo. Su música está organizada de una
manera mas estricta en cuanto a su alineamiento Dodecafónico, aunque no carece
de algunoas implicaciones tonales.
Trata sobre una mujer que se casa con un medico y un pintor, que
mata indirectamente. Mas tarde mata a uno de sus antiguos amantes, por lo que
va a la carcel. El hijo de su victima se enamora de ella. La condesa Geschwitz,
la saca de la cxarcel, es lesbiana y desde entonces vive bajo el chantaje de
ésta, termina como prostituta en Lonfdres donde es asesinada por Jack el
Destripador.
El mensaje de la obra nos viene a decir que la mujer atractiva
solo tenía 2 papeles en la vida: AMANTE
O PROSTITUTA.
El tercer acto queda inconcluso, debido a la muerte de Berg y la
terminó Friederick Cehra,
pues se disponía de la orquestación de Lulú-Symphonie.
ANTON WEBERN
Es mucho más exigente en cuanto a forma y estilistica, y por
tanto más riguroso. Si Berg representa el potencial romantico de las enseñanzas
de Schoenberg, Antono Webern representa su potencial clasico: "Atonalismo sin
romanticismo". Webern es el punto de partida del Serialismo Integral.
Etapa Atonal.- Todas
las obras de esta etápa se caracterizan porque las notas, matices y dinámica
estan escritos y expresados con el rigor mas "Puntillista". Todo está
muy estudiado, ni sobra ni falta ninguna nota.
Las caracteristicas de su obra son:
- Abandono de la forma clásica.
- Ausencias de simetría, repeticiones y desarrollo temático.
- Brevedad y concisión (Op. 10 nº 4, dura 20 segundos en 6
compases)
- Condensación expresiva.
- La obra se oye como un todo.
- El silencio es parte integrante del discurso musical. Sonido y
silencio son valores de igual importancia.
- La Dinámica es de una extrema discreción, hay fortes pero
sobre todo pianos y pianissimos.
Etapa Dodecafónica.- En 1.924, comienza una segunda etapa
compositiva donde una el método Dodecafónico de Schoenberg. Para Anton Webern
el serialismo parece liberarle del trabajoso sistema de composición anterior.
En un principio, desde 1.914 a 1.926 solo compuso canciones, se
apoya en 2 elementos controeuropeos: La
tradición del Lied y la presencia de lo Popular.
La formación de Webern como musicologo no le sirvió para
recontruir formas del pasado, sino para imaginar nuevos criterios formales.
Desde 1.926, hasta su muerte, prescinde de la voz, y se dan sus
obras mas rigurosas y perfectas. Las obras de Webern son de proporciones
milimétricas, donde todo está exacto en la medida por él deseada. Sus
indicaciones no dejan lugar al arbitrio del interprete, son extremadamente
precisas. Nunca escribió ópera, porque no concordaba con su tendencia a la
notación precisa.
Su sensibilidad para el color y la claridad tímbrica a menudo lo
empuja a escoger combinaciones instrumentales insospechadas como ocurre con el
Cuarteto Op. 22 para violín, Clarinete, Saxo tenor y piano. Con pocas
excepciones sus obras estan escritas en el estilo de cámara.
LAS VANGUARDIAS HISTORICAS
Entendemos por música de vanguardia en el siglo XX, toda aquella
música que se ha desligado por completo o casi por completo, de los
instrumentos y formas de componer tradicionales. Schoenberg o Stravinski siguen
utilizando partitura y notación tradicional, así como los instrumentos, por lo
cual no son vanguardistas.
Las vanguardias parecen comenzar con la música electrónica y con
la música aleatoria. El Serialismo Integral es una especie de música de
vanguardia con algunos elementos tradicionales que se vanguardiza tras la
influencia de la experiencia electrónica.
BUSONI
Ferrucio Busoni, predecesor de los futuristas,
publica sus proposiciones para una nueva estética musical, tambien llamadas Boceto, de mayor
transcendencia que el manifiesto futurista casi contemporaneo, en el que afirma
rotundamente la libertad del
arte musical, a la vez que
observa ya agotadas las posibilidades de las tonalidades mayores y menores
tradicionales. Empieza a aparecer el Tercio
de Tono.
En su nueva estética, Busoni, aboga porque la música se vea
libre de las interpretaciones programáticas y porque los interpretes y los
copistas se liberen del respeto supersticioso por la notación; porque la música
se vea libre de las convenciones ritmicas y formales; porque los creadores se
vean libres de las limitaciones de las técnicas de interpretación, de los
instrumentos y de nuestro sistema de escalas. Propone la división de los tonos en
1/3 y 1/6 de tonos.
FUTURISMO
Es el primer movimiento de vanguardia europeo por su contenido
ideológico y su rechazo de la cultura establecida. Un grupo de jovenes
intelectuales proclama "El
Manifiesto Futurista" (1.910),
en el Teatro Alfieri de Milán.
La Velocidad es la
palabra mágica de la nueva tendencia. En nombre de ella el futurismo nace como
estilo anticlasico, que opone a las cualidades de equilibrio y orden el
Contraste y la Disonancia, como caracteristicas primordiales. Para los
futuristas, la belleza de la Velocidad, un automovil de carreras, un bólido que
huye, es mas hermoso que la victoria de Samotracia.
Caracteristico de los movimientos de vanguardia es que el texto,
la declaración de principios, antecede a la creación artistica. Así en 1.911,
se publica el manifiesto musical y el de los dramaturgos futuristas.
A partir de la I Guerra Mundial, el futurismo entró en crisis,
en parte por la muerte de alguno de sus mas importantes artífices, y en parte
por la influencia de la ideología fascista que se concreta en exaltar las
virtudes del pueblo italiano.
RUSSOLO
Compositor y pintor italiano, publicó el "Manifiesto del Arte de los
Ruidos". Este nuevo arte tendría que entonar y regular todos los
ruidos posibles, clasificados por él en 6 familias, que serían:
·
Zumbidos.
·
Silbidos.
·
Susurros.
·
Chirridos.
·
Percusiones.
·
Gritos de animales y de hombres.
Con este fín construyó instrumentos mecánicos y electricos
especiales que denominó INTONARRUMORI, que son instrumentos que tratan de
reproducir todo tipo de ruidos mediante vibraciones producidas por corriente
electrica. Fueron perfeccionados por él, pasando a llamarse, RUMORARMONIO.
En su libro "El
arte de los ruidos", sostiene que la música debe superar el campo
limitado de los sonidos para apropiarse de los inagotables recursos del ruido,
afirmando que la música, en su evolución hacia combinaciones sonoras cada vez
mas disonantes, tiende a alejarse del sonido puro para acercarse al ruido.
Gracias al movimiento futurista italiano, el ruido fué
incorporado por derecho propio a la creación musical, y a la diferencia entre
ruido y sonido desapareciendo practicamente. Es el precedente de la música
Concreta.
GEORGE ANTHEIL (Ballet mecánico. You tube)
EL DADAISMO
Tristan Tzara, Hans Arp y Hugo Ball, fundaron el dadaismo en
Febrero de 1.916, adoptandose el nombre al azar, al abrir un diccionario
frances con un cortapapeles. Dadá significa:
- Cola de vaca sagrada, en una tribu africana.
- Caballo, en la jerga de los niños franceses.
- Sí, sí en Rumano.
- Una especie de asociación de ideas entre el placer de la
procreación y el cochecito infantil, en Aleman.
Contrario a la propia actividad artística, Dadá no obedece a
norma alguna, y mas que un
movimiento estético debe ser considerado como premeditadamente Antiestético, respondiendo solo a
la subversión irracionalista, al proposito de escandalizar al público burgues
con su inconformismo Nihilista.
Dadá no pretende nada, no aspira a ninguna solución, a ninguna
respuesta. Dadá, fué una semilla, una idea, un grito de raqbia e ironía en el
centro de una guerra insensata que desangraba Europa.
PRE - EXPERIMENTALISTAS
CHARLES IVES
Es considerado como el antecesor de los Experimentalistas
americanos. Compositor absolutamente inconformista es totalmente independiente
de todas las corrientes contemporaneas. Fué autodidacta y pudo investigar todo
lo que quiso, pues era Agente de seguros.
Se puede considerar como razones de sus vanguardias el que
cuando era niño, su padre, director de una banda militar, le incitaba a
ejercitar el oído al tocar melodías en dos tonalidades diferentes al mismo
tiempo, a escribir frases con escalas de tonos enteros, a que observe y copie
los extraños efectos producidos por las campanas y los ecos.
Utiliza la Polirritmia y la Politonalidad; escribe para pianos
afinados en 1/4 de tono; anticipa las formas abiertas de la música aleatoria;
emplea los Clusters; utiliza en muchas piezas la técnica del Collage;
ensamblajes e ideas de Pop-art; modifica la disposición espacial de los
instrumentos en la sala; mezcla en algunas obras diferentes orquestas situadas
en planos distintos para subrayar su efecto estereofónico.
Componía fundamentalmente para que su música fuese ejecutada, no
para que fuese escuchada por el público, es una concepción de la música
vanguardista. Y aún en el caso de que la música de Ives debe ser escuchada,
está pensada para que lo sea activa y de modo participativo. Esto explica en
parte el uso de música popular en sus obras como si se esperase que alguien del
público salte e improvise silbando un trozo de la obra.
COWELL
Henry Cowell, fué el
representante americano más directo de la tradición de Ives. Cultivó de modo
experimental cierto Neoclasicismo Nacionalista, utilizando preferentemente el
Folklore Irlandes.
A sus 15 años, dió el nombre de Tone-Clusters (racimo de notas),
a su recurso predilecto de tocar con el puño, la palma o el envés de la mano
varias teclas adyacentes del piano. Nunca afirmó haber inventado este recurso,
pero desde que Bartok le pidió permiso para utilizarlo, la gente lo recuerda
como "el hombre de los Clusters".
A Cowell, también le gustaba meter la mano en el interior del
piano y manejar el teclado para producir sonidos insólitos en las cuerdas.
Realizó importantes y extensas investigaciones creadoras en el
terreno del ritmo y tal vez haya sido la primera persona que se propuso el
concepto de derivar relaciones ritmico-duracionales a partir de las
proporciones de vibraciones de los armónicos (2:1; 3:2; 4:3; etc.)
COnlon
Nancarrow
VARESE
Es el mas importante de los compositores americanos de
vanguardia en la década de los 20. Tiene grandes influencias de Debussy,
Strauss y Stravinsky.
Se ven las caracteristicas de su estilo en los temas donde hay
notas repetidas, como toques de llamadas y especie de llamadas de pajaros; en
la ritmica, es instintiva, visceral, notada con mucha sutileza; la
instrumentación, está plagada de cuchicheos y gritos, con terribles clamores,
con reforzamientos caracteristicos de ciertos armónicos, a la manera de
Debussy, para cambiar el timbre orquestal; las formas con libertad absoluta de
formas y estructuras, ruptura de continuidad melódica e instrumental. Se desprende
de toda posibilidad de construcción temática. Los materiales se transforman
casi totalmente en no lineales.
El 2 de Diciembre de 1.954, Varese es el primer compositor en usar
una cinta magnetofónica como instrumento dentro de una composición en público.
La obra era Deserts, su obra más famosa. Para viento y
percusión, tiene grabaciones en cintas de ruidos industriales que se interpolan
en la partitura.
Varese es el único compositor que ha dado a la músdica concreta,
obras maestras. Su Poema
Electrónico le fué encargado
para ser transmitido por mas de 400 altavoces que llenaban con su sonoridad el
interior del Pabellón Philips en la feriwqa mundial de Bruselas de 1.958.
Para Varese, los sonidos en cuanto tales, eran los componentes
estructurales esenciales de la música, mas fundamentales que la melodía, la
armonía o el ritmo.
SIGLO XX
Caracterizado por sus revoluciones sociales y por el cambio que supuso en
lo estético y artístico. El quiebre con la tradición histórica de la música es
absoluto y atraviesa diferentes instancias en las que aumenta su repertorio con
la sumatoria de elementos paralelos (distintas tonalidades, compases o tipos
rítmicos a la vez), las citas textuales (collages), las repeticiones
(minimalismo), hasta desechar toda referencia al tonalismo tradicional, con el
atonalismo, dodecafonismo, serialismo integral, trabajando con materiales
reelaborados (música concreta, objetos sonoros) o provenientes de una nueva
síntesis (música electrónica, digital). La música se desestructura al azar
(música aleatoria) y la fusión con otras artes (música teatral y gestual). En
conclusión, se llevaron a lo sonoro las pruebas y teorías utópicas y
revolucionarias que trataron de acomodar la producción estética a en mundo en
ebullición. Nunca se había visto semejante eclecticismo, confusión y
proliferación de escuelas.
Un Mundo más pequeño
Los medios de transporte y las telecomunicaciones convirtieron al mundo de
la música en una aldea global, que conoció inmediatamente lo que pasaba por las
mentes creativas del mundo entero. Tal poder dividió al mundo en enemigos
cardinales: Norte contra Sur, Occidente contra Oriente; y esto se tradujo en
una nueva música, caracterizada por sus renovaciones sonoras y disonancias
libres de ataduras y compromisos tonales. Frente a la visión globalizante, los
músicos crearon límites que intentaron dividir la materia musical. Cada nación
pretendió dejar su impronta particular, a la vez que otros elevaban sus cantos
y melodías por un mundo sin fronteras.
Adiós al público
Las innovaciones intentaron atraer a la
audiencia hacia la música. El espíritu vanguardista se convirtió en propulsor
del público, siempre detrás de las nuevas corrientes y actitudes. Esto generó
muchos detractores de la música del siglo XX entre sus contemporáneos que
preferieron recuperar los sonidos de épocas anteriores. Surgió el
cuestionamiento acerca del espíritu creador y su sumisión o rebeldía ante las
demandas del público. El realismo social soviético y su experiencia no resultó
un caso alentador y se acercó al control y censura de los gobiernos
totalitarios. Aaron
Copland dijo: "Escuchar atentamente,
escuchar conscientemente, escuchar con toda nuestra inteligencia es lo menos
que podemos hacer en apoyo de un arte que es una de las glorias de la
humanidad”.
Acción y reacción
Las corrientes artísticas del siglo XX se
opusieron y superpusieron, dando lugar a la creatividad que capturó a la
sociedad. Pronto se conjugaron la sinestesia sensorial del impresionismo y su
opuesto expresionista. Así comenzaron a surgir corrientes neoclasicistas y
nuevos lenguajes artificiales (dodecafonismo), la convergencia de las músicas
eruditas y populares o su ingreso en los recintos sagrados del arte clásico, el
cerebrismo de la escuela serialista y la ingenuidad del conceptualismo minimal.
Una línea de este tipo se prolonga desde Mahler a nuestros días a través deSchoenberg, Webern yStockhausen, por ejemplo, con células americanas desde
Schoenberg a Philip Glass y Steve Reich a través de John Cage.
Fichas | Períodos de la Música > VANGUARDIAS
Un siglo de contradicciones, mientras Britten escribe óperas tonales,
Stockhausen experimenta con música electrónica, Oliver Messiaen busca
inspiración en la música oriental, Pierre Henry intenta escribir música
concreta, Pierre Boulez habla de serialismo integral y Luigi Nono de ámbitos
sonoros. Las experiencias de música aleatoria han marcado el punto tal vez más
audaz en esa intensa búsqueda de una forma de expresión musical del siglo
pasado.
Música
académica contemporánea
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o sección sea fusionado con Música
del siglo XX (discusión).
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En los contextos de las música clásica europea, la música contemporánea es la que se ha escrito en los últimos
cincuenta años, particularmente después de los años sesenta. En un sentido más
amplio, música contemporánea sería cualquier música que se escribe en el presente. Es materia de un arduo debate si el
término se debería aplicar a música de cualquier estilo, o si se
le aplica exclusivamente a loscompositores de música de vanguardia, o música
«moderna».
Se ha utilizado el término «contemporáneo» como sinónimo de «moderno», particularmente
en medios académicos, mientras que otros son más restrictivos y se lo aplican
sólo a los compositores que están vivos y a sus obras. Ya que es una palabra
que describe un marco de tiempo más que a un estilo o idea unificadora en
particular, no existe un acuerdo universal acerca de cómo hacer estas
distinciones.
Existen numerosos festivales dedicados a la música contemporánea,
entre ellos el Donaueschingen Festival of Contemporary Music, el Huddersfield
Contemporary Music Festival, en España, el Ciclo de Música Contemporánea de
Málaga.
Podemos encontrar música contemporánea en las bandas sonoras de
películas y música incidental, como El tigre y el dragón de Tan Dun, Las horas de Philip
Glass, El Señor de los
anillos de Howard
Shore y el tema
de la campaña publicitaria de De Beers de Karl
Jenkins.
Contenido
|
[editar]Historia
A comienzos del siglo XX la música contemporánea ejercía el serialismo dodecafónico, el politonalismo, un mayor
número de disonancias sin resolución, la complejidad rítmica y la música del
neoclasicismo. La música contemporánea de los años cincuenta en general »
es, a menudo, más importante que la música misma. En una era que quizá tenga,
por ejemplo, no menos de 40.000 compositores de música orquestal sólo en
EE. UU, los estrenos son difíciles, y las reposiciones de obras aún más.
La lección de desconocidos compositores del pasado que se hacen famosos después
se aplica doblemente a los compositores contemporáneos, donde posiblemente
habrá «primeros» anteriores a la lista oficial de los primeros compositores de
un estilo, y sus obras serán posteriormente admiradas como ejemplos de esos
estilos.
Neoclasicismo
musical del siglo XX
El neoclasicismo fue una corriente de la música contemporánea del siglo XX que se manifestó especialmente en el periodo de
entreguerras, en las décadas 1920 y 1940. Sus
características son un retorno a los grupos instrumentales pequeños (de cámara) en lugar de la gran orquesta; uso de
la técnica del concerto
grosso; énfasis sobre las cualidadescontrapuntísticas; y la
evitación de la expresión "emocional" típica del romanticismo.
Después de la I Guerra Mundial varios compositores (como Ígor
Stravinski y Paul
Hindemith) realizaron composiciones donde se notaba un retorno a los
cánones del clasicismo de la
escuela de Viena (de Haydn y Mozart), aunque con una armonía mucho más disonante y rítmicas
irregulares. Ese movimiento tipo de música se denominó
"neoclasicismo".
[editar]Historia
Se considera generalmente que el neoclasicismo se inicia con una
obra de Stravinski, Pulcinella, un ballet para los Ballets
Rusos de Diaghilev en el que también colaboraron Picasso yCocteau y en el
que el compositor utilizó música de Pergolesi.
Stravinski explorará esta nueva vía en obras sucesivas, como en el Concierto para piano e instrumentos
de viento (1924), la Sonata para piano (con referencias a Bach, 1924), la Serenata
en la (1925), The Rake´s progress (Mozart), Persephone (Gluck), El beso del hada (Chaikovski), la Sinfonía
en do(Haydn), Oedipus Rex (con referencias que van desde Händel a Verdi) y que se
cerrará con los Requiem
Canticles, obra en que las referencias son al propio dodecafonismo, y que
muchos consideran como una obra puramente tal.
Muchos músicos en esos años escribieron obras que podrían
considerarse adscritas a esta tendencia. Prokofiev, por
ejemplo, en 1918 ya había compuesto una obra que podría considerarse un
antecedente claro, la Sinfónica
clásica. Ravel firma obras de difícil adscripción estilística, pero que podrían
considerarse clásicas como La
Alborada del gracioso, La
Valse, La Hora española,
el conocidísimo Bolero o El
niño y los sortilegios.
En Francia, por esos años, el Grupo de
los Seis está en
plena actividad y tres de sus integrantes, Francis
Poulenc, Arthur
Honegger y Darius
Milhaud puede
considerarse que componen obras neoclásicas. También lo hacen Henri
Sauguet y Charles Koechlin. En
Italia, la corriente es muy importante, y en ella encontramos a Alfredo
Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti o Giorgio Federico Ghedini.
En España, las obra más características de esta tendencia serán de Manuel
de Falla: El retablo de
maese Pedro y el Concierto para clave y cinco
instrumentos. Luego, la generación del 27 le seguirá. Ernesto
Halffter con la Sinfonietta (1927), su hermano Rodolfo, con el
ballet Don Lindo de Almeria y las Sonatas del Escorial, y Gustavo Pittaluga y Salvador Bacarisse.
Otro de los compositores tradicionalmente considerado neoclásico
es Hindemith, que se
fija al inicio sobre todo en el barroco. Obras suyas como Marienleben o la serie de losKammermusik irán evolucionando hasta su obra
maestra Matías el pintor.
[editar]Movimiento
Moderno
Muchas de las figuras claves del Movimiento Moderno aún
existen o han fallecido recientemente, y en la actualidad existe un núcleo de
compositores, intérpretes y aficionados extremadamente activos que continúan
llevando las ideas y formas del modernismo. Elliott
Carter, por ejemplo, está activo aún, al igual que Lukas
Foss. Si bien grandes escuelas de composición moderna, como la del serialismo, no son
ya el centro de la discusión teórica, el período contemporáneo está iniciando
el proceso de ordenación del conjunto de elementos del modernismo en busca de
obras suficientemente valiosas para ser incluidas en los repertorios.
El modernismo también se encuentra en la superficie o en obras de
un gran número de compositores, ya que la atonalidad ha perdido mucha de su
habilidad para aterrorizar a los auditorios, y puesto que hasta la música de
películas utiliza secciones de música claramente enraizadas en el lenguaje de
la música modernista. La lista de compositores modernistas activos incluye a Thomas
Adès, Harrison Birtwistle, Alexander
Goehr, Magnus
Lindberg, Gunther
Schuller y Judith
Weir.
[editar]Postmodernismo
El postmodernismo es una influencia fuerte en la música contemporánea. Un crítico
señaló que una manera fácil de encontrar es buscar la palabra «nuevo» o los
prefijos neo- o pos- en el nombre de algún movimiento. Sin
embargo, en una era de los medios, de las presentaciones sistemáticas, y las
relaciones de poder siguen siendo la realidad dominante para la mayoría de las
personas nacidas en las principales naciones industrializadas, el
postmodernismo parece mantenerse como el modo más común de la expresión
artística.
[editar]Poliestilismo
Poliestilismo es el uso
de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una característica
posmoderna. Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera
Auerbach,Luciano Berio, William
Bolcom, Sofia
Gubaidulina, Hans
Werner Henze, George
Rochberg, Arturo
Rodas, Magaly
Ruiz, Frederic
Rzewski, Alfred
Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Ezequiel Viñao, Frank
Zappa y John
Zorn.
[editar]Conceptualismo
Cuando Marcel
Duchamp colocó un
urinario en un museo de arte, produjo el golpe más visible del arte
conceptual. Una obra conceptual es un acto cuya importancia musical se obtiene
del marco más que del contenido de la obra. La música conceptual encontró a su
mejor representante en John
Cage. Un ejemplo puede ser la obra 4’
33” (John Cage, 1952) que
consiste sólo de silencios, la cual presentó el famoso pianista David
Tudor que se
sentó al piano sin tcarlo realmente en ningún momento durante los 4 minutos y
33 segundos. Otra obra importante de este estilo es 56 Blows (de Alvin Singleton), una
obra que tiene la particularidad de haber sido mencionada en un debate en el
Senado de EE. UU.
[editar]Minimalismo
y posminimalismo
La generación minimalista todavía cumple un papel importante en la
nueva composición. Philip
Glass ha
continuado expandiendo su ciclo sinfónico, mientras que On the Transmigration of Souls de John Adams (una obra
coral en conmemoración de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre
de 2001) ganó un Premio
Pulitzer. Steve
Reich ha explorado
la óperaelectrónica
y Terry
Riley ha
continuado activo escribiendo música instrumental. Pero más allá de mismos
minimalistas, los tropos de la armonía triádica no funcional son ahora un lugar común, incluso en
compositores que no son reconocidos como minimalistas propiamente dichos.
Muchos compositores están expandiendo los recursos de la música
minimalista al incluir ritmos e instrumentos propios del rock y la música étnica (World
Music), serialismo, y muchas otras técnicas. Kyle Gann considera los Time
Curve Preludes de William Duckworth como la primera pieza «posminimalista», y considera a John Adams
como un compositor «posminimalista» y no minimalista. Gann define el
«posminimalismo» como la búsqueda de una mayor complejidad armónica y rítmica
por compositores tales como Mikel
Rouse,Roberto Carnevale y Glenn
Branca. El posminimalismo es también un movimiento artístico en pintura
y escultura que empezó a finales de los años sesenta.
[editar]Tonalidad
posclasicista
Otro aspecto de posmodernidad se puede encontrar en la tonalidad «posclasicista» a la que están dedicados compositores como Michael
Daugherty y Tan Dun.
[editar]Eclecticismo
Con un amplio rango de estilos de interpretación, muchos
compositores contemporáneos trabajan combinando estilos, una técnica llamada poliestilismo, o combinando
incluso múltiples géneros musicales. Un compositor muy influyente de este tipo
es Frank
Zappa, y en círculos más jazzísticos John
Zorn.
[editar]Experimentación
Un movimiento importante de la música contemporánea involucra la
expansión de los gestos disponibles a los instrumentistas, como por ejemplo en
la obra de George
Crumb. El Kronos
Quartet se
encuentra entre los conjuntos más activos que promueven la música contemporánea
para cuarteto de cuerdas, y se deleitan con la música que estira las maneras de
obtener sonidos de sus instrumentos.
[editar]Música
electrónica
Surgida en la década del cincuenta, con el uso de osciladores electrónicos. No confundir con la "música pop electrónica" (de los años ochenta, posterior
al rock, de guitarras eléctricas, etc.), ni con la creada por un ordenador o secuenciador al necesitarse una velocidad y exactitud imposible para un
intérprete humano). La electrónica es ahora parte de la corriente principal de
creación musical. La interpretación de obras ahora a menudo utiliza
sintetizadores midi para acompañar o reemplazar algunos músicos o instrumentos. Los
procesos deloopeo, toma de muestras (sampling) y el empleo (rara vez) de baterías
electrónicas también está incluido. Sin embargo, la antigua idea de la música
electrónica —como una búsqueda de sonido puro y una interacción con el equipo
en sí— continúa encontrando un lugar en la composición, desde piezas
comercialmente exitosas hasta obras dirigidas a oyentes selectos.
[editar]Neorromanticismo
El resurgimiento del vocabulario de la nueva tonalidad que
floreció en los primeros años del siglo XX continúa en el período
contemporáneo, aunque no se le considera chocante o controvertido como tal.
Compositores que trabajan en la vena neorromántica son, por ejemplo, George
Rochberg y David
Del Tredici. En la parte final del siglo XX y comienzos del XXI, encontramos
un nuevo resurgimiento del neorromanticismo en Europa.
[editar]Neotonalismo
El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX
como reacción ante el atonalismo. Dentro de este género se engloban
compositores que utilizan de nuevo la tonalidad después de que ésta fuese
marginada en gran medida por las corrientes del género atonal contemporáneo. El
neotonalismo es un movimiento muy amplio que unifica y mezcla estilos muy
diferentes, entre los cuales se pueden citar como subgéneros de éste, el eclecticismo (o poliestilismo) y el neorromanticismo citados más arriba. Un mismo
compositor neotonal puede contar dentro de su producción musical con obras
neorrománticas, electrónicas o ecléctricas. En este género también se emplean
técnicas modernas como la electroacústica y aparecen influencias ajenas a la
música clásica tradicional como pueden serlo el jazz, la música de cine,
étnica, e incluso el propio atonalismo del siglo XX, confiriendo no sólo una
gran riqueza a este tipo de composición sino una libertad de expresión que
quedó truncada con la imposición de lo puramente atonal en la segunda mitad del
siglo. Existen muchos compositores, quienes habiendo iniciado sus composiciones
en el ámbito atonal, han regresado a esta forma, incluyendo elementos
tradicionales que son de una mayor aceptación por el público. Baste como
ejemplos de compositores actuales neotonales los citados más arriba: John
Corigliano, John
Rutter, Arvo
Pärt, Henryk
Górecki y Astor
Piazzolla. Y los españoles Pedro
Iturralde, Manuel Alejandre, Juan J.
Colomer y Román
Alís.
[editar]Libre
improvisación
Libre improvisación o improvisación libre es música improvisada en
muchos casos sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías
previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para
evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. La libre improvisación,
como estilo de música, se desarrolló en Europa y EEUU en la mitad y fines de la
década de 1960 en mucho en respuesta o inspirado por el movimiento del free
jazz así como
por la música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro
de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el
guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
[editar]Nueva
Complejidad
La Nueva Complejidad (en inglés New
Complexity) es una corriente dentro del escenario contemporáneo de las
vanguardias europeas. Entre otros, Richard Barrett, Brian
Ferneyhough yMichael Finnissy están vinculados a este movimiento. Otra corriente es la música
espectral, tipificada por las obras de Tristan
Murail, Gérard
Grisey, Shigeru
Kan-no y Claude
Vivier.
[editar]Enlaces externos
§ temp’óra Red internacional consagrada a la promoción de la música
contemporánea en el mundo. Data bases con más de 10 000 enlaces.
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